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Margherita, mère de Many par Jean Benner (1836-1906) Huile sur toile

Jean, le père de Many par Many Benner Huile sur toile

    Elève de Jean-Jacques Henner, portraitiste recherché, de Benjamin Constant, orientaliste qui a évolué vers le portrait et la décoration monumentale,  de Jules Lefebvre, connu pour ses nus féminins,  de Tony Robert-Fleury, réputé pour ses compositions d’histoire il étudie aux Beaux-Arts à Paris dès l’âge de 16 ans. Or, voici «Les Hellebores», qu’il a peints en 1887, alors qu’il avait 14 ans…Ce petit chef-d’œuvre a certainement fait sensation auprès de ses futurs professeurs qui voyaient en Many un jeune prodige qui force le respect. Le choix du thème s’explique aisément étant donné que Many, dès son plus jeune âge voyait son père et son oncle peindre des fleurs. On constate qu’il sut admirablement profiter de leurs conseils. On retrouve déjà, dans cette œuvre de jeunesse, le réalisme, la fermeté d’exécution, la sûreté du dessin que Jean lui a transmis.

Eveil de la vocation, à 7 ans.

    En 1908, il épouse Marthe Maunier-Dollfus, fille du directeur de l’usine de produits chimiques de Thann. En 1910, naîtra son fils unique, Jean-Charles, devenu architecte de renom.

    Many Benner a résidé à Paris, Boulevard de Clichy, mais également, du moins en 1904, au 23, Rue Victor Massé, non loin de la Place Pigalle. En 1936, lui a été aménagé un appartement de fonction en duplex aux deux derniers étages de l’immeuble où fut installé le Musée National J.-J. Henner. Il y est décédé le 12 novembre 1965. Dans les dernières années de sa vie il souffrait de ne plus pouvoir peindre en raison d’une vision déficiente.

RMN - GP

Portrait

Fusain sur papier cartonné

    Le nu, un des thèmes majeurs de l’art, et ce depuis la Préhistoire… a toujours été au cœur des motivations des artistes peintres car «il est l’incarnation de la beauté, du mystère, du désir, de l’interdit.» (5) Or ces deux derniers points ont été longtemps sujets à controverse. Si, comme le dit le critique Georges Normandy, la nudité d’une femme belle ou d’un homme parfait n’est pas plus répréhensible qu’un beau lac ou une belle fleur, la foule et même l’élite ne sont pas forcément familiarisées avec la seule nudité humaine digne d’être contemplée, c’est-à-dire la nudité artistique aussi parfaite que possible. D’ailleurs, l’histoire de l’Art prouve que les canons de la beauté ont évolué en fonction des exigences esthétiques et morales de l’époque. Encore à celle de Many Benner, notamment avant 1914, pour qu’un nu soit admis dans les salons officiels et ne scandalise pas le public, le peintre devait le «désexualiser en lui donnant les contours idéalisés d’une statue antique et l’identité reconnaissable d’un personnage biblique ou mythologique.» (5)

    Le nu, par la difficulté de représenter l’anatomie et la carnation, a permis à Many Benner de démontrer son talent. Mais les règles, les impératifs du Salon ne franchissent pas forcément la porte de l’atelier du peintre. De fait, Many Benner s’en affranchit résolument.

    Dès la fin du XIXème siècle, les artistes peintres ont noué des relations étroites avec la photographie: l’image fixée chimiquement par Niepce, Talbot et Daguerre. Apparue de prime abord comme une rivale parce que considérée comme plus objective, plus moderne et meilleur marché par la bourgeoisie, certains artistes en ont vite fait une complice. (D’ailleurs les premiers photographes étaient souvent des peintres reconvertis, rompus à l’art du portrait). Elle devint rapidement pour eux un moyen d’études préliminaires, un outil technique. Elle simplifia la tâche du modèle vivant en s’y substituant parfois, le délivrant des contraintes de la pose.

    Courbet fit un usage abondant de photos de nus, et, après lui, les nabis tels Vuillard et Bonnard. Apparurent alors des analogies entre les canons de la photographie et ceux de la peinture. C’était devenu, à cette époque, une façon de se libérer de la contrainte académique, du bel idéal, pour une femme plus proche du réel.

    Certains peintres préférèrent garder secrète cette étape du cliché photographique préalable à l’élaboration de leur toile, gardant ainsi une part de mystère au procédé créatif.

    Nous avons la preuve que Many Benner n’a pas dérogé à cette pratique. Il a laissé dans ses archives toute une série de plaques sèches au gélatino-bromure d’argent, une invention  qui date du début des années 1870. Il s’agit d’un procédé sec, très sensible à la lumière (4 asa); sa pellicule, nommée «étiquette bleue», inventée par les frères Lumière, permet de réaliser des prises de vue exigeant des poses relativement courtes (1/60ème de seconde).

    De leur côté, Henner et Carolus-Duran, portraitiste et coloriste extrêmement brillant, avaient ouvert «L’atelier des dames» en 1874.

Il est difficile de préciser quelle était la pédagogie de Many Benner. D’une façon générale, selon l’élève américaine, Marie Bashkirtseff, l’enseignement des ateliers parisiens n’a rien de didactique.« C’est à chaque élève de faire ses preuves en tenant compte des remarques proférées par le professeur lors de ses passages hebdomadaires ou bihebdomadaires. Les corrections sont très brèves notamment après 1880 où les classes sont surchargées.»

    Son arrière-grand-père maternel, son grand-père paternel, son père et son oncle s’étaient fait un renom comme peintres de fleurs; du moins au début de leur carrière artistique, avant de s’élever à «la grande peinture de composition». Aussi, Many Benner suivit-il leur brillant exemple. Son premier tableau connu  n’est-il pas un bouquet d’hellébores? Cependant, dans ce domaine comme dans celui du portrait et du nu, il a su dégager sa personnalité. Clarté, charme et poésie ont succédé au clair-obscur du décor. Les fonds vivent leur propre vie mais leurs nuances chantent harmonieusement au diapason du sujet, en l’occurrence, ce vase de pétunias. La juxtaposition des tons purs, leur palette fraîche, éclatante, glorifient la lumière. Ailleurs, il expose ses zinnias au soleil, leur donne de l’air, les intègre dans la nature. Ils sont en communion avec le paysage familier de l’Alenborn.

Huile sur toile

, détail

    Sa façon d’aborder franchement le motif, tonifiée par un tempérament qui, devant le paysage, n’a rien à voir avec celui du décorateur, sa spontanéité donc, incite à apparenter Many Benner aux impressionnistes, dans l’esprit: «n’être qu’un œil», sensible à la beauté des choses, où le monde extérieur seul existe; mais aussi de par la technique: sa liberté de pinceau, sa simplification des tons, leur juxtaposition, son gris, auxiliaire des couleurs qui génèrent elles-mêmes les ombres, cette manière de représenter le monde comme «une gerbe de fleurs vives» (6) qui vibrent sous la lumière.

    Many Benner qui s’est libéré de l’académisme ne risquait pas, en flirtant avec l’impressionnisme de s’enferrer dans un autre carcan car il n’y a jamais eu de programme ou de théorie impressionniste à proprement parler. Peut-on confondre un Monet avec un Caillebotte? Mais, c’était bien une peinture qui a contrarié toute l’éducation routinière donnée à l’œil depuis la Renaissance!...

    C’est donc en homme libre que Many Benner s’aventurait sur les sentiers inondés de soleil qui escaladaient les rochers d’Anacapri, à la recherche de l’endroit précis où le spectacle de la mer et du golfe de Naples est le plus saisissant, c’est en homme libre qu’il allait  à la rencontre des vestiges grecs et romains, des témoins de la Capri byzantine et médiévale, qu’il visitait les mystérieuses grottes marines, scintillantes de lumières colorées d’azur, d’émeraude, de topaze, de porphyre pour les immortaliser sur sa toile.

    Many Benner n’a pas seulement planté son chevalet sur les sites les plus illustres. Féru d’art grec, il a également donné des conférences sur l’Acropole, Delphes, le Péloponnèse, la Thessalie, sur l’Attique et l’Arcadie, au charme si particulier…Il a rendu hommage à la pureté des formes des statuaires. «Comment, dit-il, en Grèce, sous cette lumière si limpide, si légère, ne pas faire des images pures, grandes par la perfection des proportions?»

    Ses notes sur l’Art stipulent «qu’une des premières nécessité (pour l’artiste) est de voir, mais ce n’est pas la seule, et puis, il faut savoir voir et cela ne vient parfois qu’après bien des études.» Or, Many Benner s’est manifestement forgé ce don. Il le prouve  avec son Acropole émergeant de la poussière d’or qui auréole immuablement la cité. Il a rendu fidèlement la lumière du ciel de l’Attique qui se caractérise à la fois par sa douceur et la netteté qu’elle donne aux objets. «Elle confère aux choses une sorte d’éclat intérieur.» (7)

    L’Alsace et les Alsaciens lui ont inspiré bien des sujets, notamment des portraits comme celui de Jules Scheurer, industriel, ou celui Mr Wetterlé, prêtre, journaliste et polémiste.

    Lors de ses excursions vers nos pittoresques villages de Basse Alsace qui l’attiraient fortement, il a fixé sur la toile les scènes de la vie culturelle comme la procession de la Fête-Dieu de Geispolsheim, le village aux nœuds rouges!...

    Bitschwiller et la vallée de la Thur figurent également en bonne place sur les cimaises  de ses expositions, notamment celle de l’été 2017, au musée sundgauvien d’Altkirch. Paysages bucoliques, balcons fleuris, vues sur la vallée et la plaine d’Alsace, sont traités en teintes délicates dans une manière pleine de sensibilité, témoignant du plaisir de Many Benner à traduire son attachement à notre province.

    Son engouement pour l’architecture s’est confirmé dans le choix des autres thèmes: Porte de Thann à Cernay, maison à Riquewihr, où le dessinateur prime sur le coloriste.

Portrait de l'abbé Wetterlé, 1914

Alsacienne portant la coiffe de Geispolsheim

Alsacienne protestante, à la coiffre noire

Vue sur la Plaine d'Alsace, depuis le Freundstein

La Porte de Thann à Cernay

Maison à Riquewihr

La Tour des Sorcières à Thann

Jean ou Emmanuel peignant

    Or ce «métier», il le mit délibérément au service de la vie. Contrairement à ses prédécesseurs (Ingres), il se mit naturellement en consonance avec sa sensibilité, au lieu de faire le choix réfléchi de ce qui est dans la nature propre du sujet. Alors, peindre, c’est saisir et transmettre une jouissance esthétique suggérée par la beauté remarquable d’un paysage de Capri, c’est donner libre cours à l’émotion ressentie devant un site fondateur comme Delphes, c’est épancher l’attachement sentimental, la nostalgie pour ses lieux de vie, méditerranéen et alsacien.

    Dès lors, son art devient l’expression de la liberté, le droit à l’imagination. Au-delà du talent, mais forcément après lui, c’est la spontanéité qui prime.

    Certes, il y avait toujours une différence entre les modalités d’une commande, portrait ou fresque et la libre initiative. Mais, c’est bien celle-ci qui est représentative de l’évolution de l’oeuvre de Many Benner qui se définit essentiellement par son caractère de totale liberté         

Quand il eut cessé de peindre «à la manière de», il s’est promené devant l’impressionnisme, le fauvisme, l’expressionnisme….sans s’arrêter, en restant résolument lui-même, jouant avec les couleurs, traquant la lumière, appréciant l’atmosphère, pour aboutir à cet instantané du petit berger assoupi, appuyé sur sa houlette: une prouesse de célérité, d’économie de moyens et de pouvoir d’évocation. L’appréciation que nous lui apportons est la preuve que la spécificité d’une œuvre d’art constitue un mystère dont on ne peut guère rendre compte

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Bibliographie

- Bulletin municipal N° 27 - Un artiste peintre qui exerçait son art à Bitschwiller: Many Benner (1873-1965)  (1)

- Collectif - Musée national Jean-Jacques HENNER, De la maison d’artiste au musée.- Ed. Somogy – 2016. Textes de Claire Bessède,(3) Cécile Cayol, Benoît Giraud, Emmanuel Bréon, Rodolphe Rapetti,(2) Isabelle de Lannoy, Isabelle Magnan

- Georges Normandy – Le Nu au Salon - 1930

- Hector Obalk – (8) Aimer voir - © Hazan, Paris, 2011

- Charles Wentinck - Histoire de la peinture européenne - Marabout Université - 1961

- Elie Faure – Histoire de l’Art – Le Livre de Poche – 1965 (6)

- René-X. Prinet - Initiation à la peinture – Flammarion – 1948 (4)

- Ray Smith – Le manuel de l’artiste – France-Loisirs - 1989

- Claude Lévi-Strauss – Regarder écouter voir – Le Grand livre du Mois - 1993

- Michel Déon – Pages grecques – Gallimard - 1993

- L’Italie – Editions Odé - 1949

- La Grèce – Editions Odé – 1953 (7)

- Paris – Editions Odé - 1949

- André de Fouquières – Mon Paris et ses Parisiens. Pigalle 1900 -  Ed. Pierre Horay - 1955