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    Le monde appartient aux personnes créatives. Elles estiment, que la vie et ses révélations multiples doivent être vues comme une œuvre d’art. Bernard Ambielle appartient assurément à cette élite bénie des dieux. Par la diversité de ses expériences, sa curiosité intellectuelle, son ouverture aux émotions et aux fantasmes, il sait nous amener à partager l’émerveillement que provoque sa capacité à ré-enchanter  ce monde qui en a tant besoin…

    Pourtant, à l’âge de seize ans, en octobre 1967, il entre à l’Ecole des Arts Décoratifs de Strasbourg, comme élève libre, étant trop jeune pour passer le concours. «Avec une grande soif d’apprendre», il fréquente l’atelier de peinture dirigé alors par Louis Wagner (1918-1981), paysagiste, qui excellait aussi dans les compositions décoratives et poétiques. L’année suivante, il passe le concours avec succès. Il s’inscrit à l’atelier de gravure qui l’impressionne avec ses grandes presses à litho et ses odeurs d’encre, pour finir dans l’atelier d’illustration, nouvellement créé.

    Cependant, il quitta brusquement l’école « Ayant lié une relation étroite avec une élève de ce cours, originaire de Colmar, son père, mis au courant de cette relation et la désapprouvant, ne trouva rien de mieux à faire que de l’expédier dans un coin retiré de Bourgogne, pour suivre un cours de céramique. Je n’eus donc pas d’autre choix que d’abandonner mes études pour la suivre.» Elle n’était pas libre, la majorité, à l’époque était de 21 ans!... «En vous disant cela, je réalise que ma vie a été ainsi marquée, du moins au début, par de nombreuses ruptures aussi bien dans mon travail que dans ma vie personnelle.»

    Toujours est-il que Bernard Ambielle pratique son art en s’adonnant à la technique du dessin à l’encre de Chine. A cette époque, il manifeste un vif intérêt aux civilisations anciennes, dont notamment l’Epopée de Gilgamesh, geste sumérienne vieille de quatre mille ans, qui, dans sa quête de l’immortalité, symbolise l’effort de l’Homme pour acquérir et conserver les bienfaits de la civilisation.

    Dès l’âge de dix-huit ans, il se passionne pour la métaphysique, touché par ce besoin qu’ont les hommes de donner un sens à leur vie et de voir ce qu’il y a de l’autre côté du miroir. Cet intérêt se manifeste dans le thème des «Etres Poussière» qui avait l’ambition de raconter d’une façon poétique la création du monde  et l’apparition de ces fameux êtres, c’est-à-dire, nous-mêmes. L’histoire des «Etres Poussière», série de dessins, terminée «là-bas», en Bourgogne, fera l’objet de sa première exposition à Colmar, en juillet 1970, dans le hall du cinéma Rapp. Une vingtaine de dessins à la plume, jugés extraordinaires par les critiques, parce que ce sont «des œuvres verticales comme des cathédrales où le surréalisme le dispute au symbolisme, parfois hiératiques mais toujours hallucinantes, fantasmagoriques, au graphisme très serré, pointilliste, fouillé…mais témoignant d’une technique parfaitement assimilée. Incontestablement l’une des expositions les plus intéressantes qu’il a été donné de voir depuis bon nombre d’années à Colmar.» Un coup de maître!...

    Les thèmes visités constituent un monde étrange dans lequel les critiques distinguent «Le Condor passe» inspiré par la fascination qu’éprouve Bernard Ambielle pour les civilisations disparues, le condor étant un oiseau mythique et vénéré pour le peuple Inca, ainsi que des œuvres dans lesquelles le jeune artiste aborde l’abstraction pure, œuvres d’une extraordinaire intensité et d’une sensibilité «latente, presque chaste».

Nous y reviendrons!

    Par cette première exposition, Bernard Ambielle s’affirme comme un virtuose incontestable du Noir et Blanc.

Episodes du conte du Petit Poucet

    Mais, pourquoi Bernard Ambielle a-t-il fait le choix du Petit Poucet, plutôt que celui du Chat Botté ou de Cendrillon? Est-ce en faveur de la moralité qui s’en dégage et que Charles Perrault a lui-même explicitée: celui qui est faible et méprisé peut, cependant, faire le bonheur de sa famille? Est-ce la philosophie du compromis qu’il semble justifier: la violence existe, il faut s’en accommoder? Est-ce le parcours initiatique que le conte propose: le passage de la faiblesse au pouvoir que les bottes de sept lieues symbolisent? Dans un autre registre, est-ce le fait que Gustave Doré, le graveur adulé, ait lui-même illustré ce conte?

Bernard Ambielle a certes été sensible à tous ces aspects humains, psychologiques, philosophiques du récit du Petit Poucet, mais la raison prédominante de sa préférence est l’environnement dans lequel l’intrigue se déroule: c’est-à-dire la forêt; la forêt, tour à tour, accueillante et rassurante, sombre et inquiétante, les bois sacrés des rêves ancestraux, des souvenirs enfouis, peuplés de mythes, de symboles.

    C’est la forêt vosgienne qui propose à l’artiste une multitude de formes, de structures, de réseaux, de rythmes, dans laquelle il fait évoluer un Petit Poucet à la morphologie simplifiée, que le critique Roger Kiehl compare  à «un petit ectoplasme blanc, vague embryon lunaire ou martien, méditant ses coups à l’abri de sa taille minuscule. Peut-être était-ce pour le détacher du monde réel?» C’était effectivement l’intention de Bernard Ambielle, car son héros est une création symbolique, en pleine métamorphose.

    Ce travail «artisanal», ainsi que l’annonce l’affiche de l’exposition, a été réalisé à partir de l’automne 1971, en collaboration avec Françoise, sa camarade de Colmar, dans le cadre enchanteur des Cévennes où ils se sont retirés.

    Le temps de la gravure est terminé. Bernard Ambielle va, dès lors, se tourner vers la couleur et la peinture sous verre.

    Rappelons que la peinture sous verre que nous avons découverte dans une précédente monographie (consacrée à Michèle Bruel-Rupp), est une technique ancienne et extrêmement difficile qui consiste à peindre au revers d’une plaque de verre que l’on retourne au fur et à mesure pour voir évoluer l’image en gestation. La peinture à l’huile étant appliquée directement sur le verre et vue à travers lui, les couleurs du tableau acquièrent une puissance et un éclat qu’aucun vernis dans la peinture sur bois ou sur toile ne saurait égaler. De plus, les couleurs gardent leur fraîcheur et leur luminosité, alors que les vernis jaunissent avec le temps.

    L’invention fondatrice de la technique moderne est celle du verre plat, totalement transparent. Celui-ci est utilisé dès le 16ème siècle par les verriers vénitiens et, à partir du 17ème, par les verriers lorrains. La qualité du verre étant une des conditions nécessaires à la réussite du tableau, Bernard Ambielle y est particulièrement sensible. «A l’époque, il était encore relativement facile de trouver chez les brocanteurs des encadrements datant du XIXème siècle (période Louis Philippe), avec de vieilles gravures protégées par du verre soufflé dont la caractéristique, outre le fait d’être très mince et donc très fragile, était une très grande brillance due aux irrégularités de sa surface. Rien à voir avec le verre actuel.»

"Hinterglasbilder" de Max Seidel

"Saturation" signé Roman - 1978, Peinture sous verre


"Sorcier" signé Roman - 1978, Peinture sous verre

    Intéressé par mon travail, il me proposa d’acquérir un certain nombre de mes peintures, sur une période d’environ quatre ans, afin de les réunir dans une grande exposition qui se tint à Garmisch-Partenkirchen, en 1978.»

    Alors que dans ses premières productions il abordait des sujets classiques traditionnels, tels des natures mortes, très vite, sous l’impulsion de Max Seidel, les thèmes devinrent de plus en plus complexes, tendant vers un symbolisme exacerbé,

 «Je vais l’adapter à la peinture à l’huile, explique-t-il, et bientôt apparaîtront de nouvelles peintures inspirées toujours de thèmes métaphysiques mettant en scène des mondes imaginaires ou abstraits.»

    Ce symbole, cercle divisé en Neuf est l’expression de deux lois fondamentales dans l’Univers: la loi de Trois, représentée par le triangle 9.3.6 et qui incarne les trois forces: Affirmation, Négation, Conciliation, à l’œuvre dans tout phénomène, souvent personnifiées par les triades divines et la loi de Sept ou d’Octave qui ordonne les jours de la semaine, les couleurs du prisme lumineux, les notes de la gamme musicale… Sur le plan psychologique, l’ennéagramme définit 9 types de personnalités. D’après Gurdjieff, il nous enseigne comment découvrir nos forces, accroître les ressources insoupçonnées qui sont en nous, par quels chemins, par quels courants d’énergie... C’est devenu une technique de développement personnel.

    Bernard Ambielle a tenté de représenter ces lois dans son œuvre. Il a notamment été subjugué par la lecture des «Fragments d’un enseignement inconnu» du propagateur des idées de Gurdjieff, Piotr Ouspensky, (1878-1947), qui utilise la géométrie dans ses réflexions sur la psychologie et les «dimensions supérieures» de l’existence. Lecture passionnante qui tend à prouver que par la connaissance de soi-même, l’homme, ce tissu d’habitudes inconscient, cette machine irresponsable peut accéder à un état supérieur de conscience et vivre plus fort et plus haut, au-delà du Bien et du Mal!...

    «Toute cette littérature, nous confie Bernard Ambielle, m’avait beaucoup influencé et j’avais maladroitement tenté de l’appliquer à mon travail artistique.

    Par la suite, je m’éloignais un peu de cette pensée métaphysique pour m’intéresser à un auteur contesté, Carlos Castanéda, anthropologue, censé avoir été initié par un sorcier yaqui aux mystères de l’Univers et dont les écrits, mélange de réalité et de fiction, ont été qualifiés par certains de «roman poétique» et dont j’ai retenu surtout le fameux «il faut suivre le chemin qui a du cœur». N’empêche que cette œuvre (il a écrit plusieurs livres que j’avais dévorés à l’époque) a beaucoup influencé le symbolisme dans mes peintures sous verre, post natures mortes.

    Le Sourire de l’Enchanteuse dont le thème intemporel traite de l’illusion qui régit le monde et notre vie quotidienne, est manifestement inspiré des lectures d’Ouspensky – Gurdjieff. Ce tableau est chargé de symboles dont l’auteur ne se souvient plus avec précision, bien qu’il ait, à l’époque, tout noté sur un calepin. Toujours est-il que «le double regard, la gueule aux dents acérées que dissimule un sourire avenant, tout cela n’a pour but que de tromper le malheureux dont l’âme sera dévorée par l’enchanteuse et viendra nourrir la faim insatiable de la lune, selon certaines traditions. La lune, dont on distingue les cratères en haut du tableau.» Ce qui nous renvoie aux fameux  Fragments d’un enseignement inconnu qui prétendent que toutes nos actions sont le résultat d’influences planétaires.

    Or, les Fragments enseignent la méthode susceptible de déjouer le piège. Elle consiste à transformer l’homme automate, endormi, en homme conscient et libre. C’est l’éveil selon le précepte socratique: «Connais-toi, toi-même»  Ce que Bernard Ambielle semble en avoir retenu, c’est que chacun doit s’initier soi-même. Les systèmes et les écoles peuvent indiquer les méthodes et les voies, mais aucun système, aucune école ne peut faire pour l’homme le travail qu’il doit faire lui-même.

    «J’ai vite compris que j’étais comme un aveugle qui veut parler de couleur ou comme un sourd qui va discourir sur la musique. Car ces lois qui se manifestent autour de nous et en nous, sont très complexes…Quoi qu’il en soit, supposons que nous arrivions à une parfaite maîtrise de ce qui pourrait être un solfège de la peinture  (et qui, peut-être dans un passé lointain a été enseigné), un bon musicologue expert en solfège, ne fera pas forcément de la bonne musique.

    Il manque d’autres éléments, à commencer par la dimension émotionnelle et, ensuite, ce que l’on désire transmettre.»

    L’introspection à laquelle il s’est livré, lui a fait retrouver son enfance. C’était le monde du désir et non celui des automatismes, celui de la créativité et non celui de la tyrannie des habitudes, celui de l’émotion et non celui du jugement. « A peine avais-je mis de côté tout ce fatras de connaissances, des émotions très vives venues de l’enfance jaillirent en moi que je traduisais bientôt en peintures. J’avais retrouvé la simplicité.

    Ces émotions étaient liées à la période de Noël (Nous habitions à Strasbourg, à deux pas du centre-ville et de son marché de Noël), aux jardins ouvriers de mon enfance, aux marchés et aux foires (mes parents étaient marchands forains) ou, tout simplement au chant d’un merle au crépuscule.»

    C’est ainsi que se déclencha en lui «la Grande Rupture» qui n’a pas consisté  seulement en un changement radical sur le plan pictural, mais aussi sur le plan intellectuel et philosophique, de même que sur le plan personnel. «Un moment donné, j’ai éprouvé une grande lassitude de ce  «savoir» accumulé au fil des années mais que je ne comprenais pas vraiment. Savoir ne signifie pas comprendre. Et j’ai décidé de repartir de zéro en mettant tout cela de côté.»

    Bien qu’il insiste sur la «lassitude» qu’il éprouva envers «ce fatras de connaissances», la transition ne fut pas évidente. Impossible de faire du passé table rase… car Bernard Ambielle reste convaincu que le but de l’art n’est pas simplement décoratif et esthétique et que certaines œuvres du passé recèlent des secrets que nous ne sommes pas en état de percevoir. Il n’a pas complètement renoncé à percer ces secrets oubliés.

    Dès 1985, il rencontre un succès immédiat lors d’une première exposition à Strasbourg. Elle sera bientôt suivie d’autres, collectives et personnelles à la galerie «L’Empreinte», place St-Etienne, aujourd’hui, disparue.

    Les DNA saluent un art «résolument naïf» et estiment qu’ «Ambielle semble avoir trouvé sa voie par une juste concordance entre sa conception optimiste de la vie et la figuration qui l’illustre.

    Puisant dans les souvenirs heureux de son enfance – nombre de toiles rappellent certains quartiers pittoresques de sa ville natale – il voit les hommes et les choses sous un jour serein. Les jardins regorgent de fleurs et de fruits, ses maisons coquettes fleurent bon le charme d’antan. De la campagne et de la ville émane une même douceur de vivre.»

Aux Abords de la Ville, 1986

     Dans le même temps, souhaitant se perfectionner en dessin, il s’inscrit à l’atelier de dessin académique de l’Ecole des Arts Décoratifs. Il le fréquente assidument jusqu’en 1994. Il y réalise des nus, dans des aquarelles d’une totale spontanéité qui ne tolèrent aucun repentir… Elles se rapprochent de la transparence de celles de Raoul Dufy qui considérait que la forme-mouvement et la lumière-couleur peuvent ne pas se superposer. Il en émane une puissance et une fraîcheur appréciées.

Nu accoudé

Nu de dos

Etude

    C’est alors, entre 1988 et 1990, que s’ouvre dans la vie et l’œuvre de Bernard Ambielle une parenthèse douloureuse. Comme beaucoup de peintres provinciaux l’ont fait avant lui, il tente l’aventure parisienne où il croit pouvoir compter sur de nombreux amis et connaissances; Paris, épicentre de tous les événements marquants, Paris source inépuisable d’inspiration mais, Paris avare en conditions de travail satisfaisantes… L’aventure s’avère décevante. Elle se termine par une expo qui, mal préparée, mal organisée, sera un échec. Plus grave, déplore-t-il: «L’aventure parisienne m’a asséché, j’ai perdu mon inspiration et j’ai dû renoncer à utiliser mon pinceau magique, l’aérographe. A mes yeux tout au moins, mes peintures deviennent ternes…». S’ajoute à cela qu’au début de 1991, à l’international, les ventes baissent pour cause de guerre du Golfe… La collaboration avec «Art Vivant» prendra fin en 1994, et, d’ailleurs, cette société n’y survivra pas longtemps.

    La renaissance salutaire viendra en 1995, du mariage de Bernard Ambielle avec son épouse actuelle, Gabriella, originaire de Côme en Lombardie, rencontrée en 1992 en Pologne lors d’une campagne humanitaire. Elle va lui apporter un soutien précieux dans sa reconquête artistique.

    La «Ville en Fête» connaîtra un succès inattendu, à commencer par le poster qui en sera tiré. « Les gens font la queue devant la galerie pour acheter ce poster.Aujourd’hui encore, il reste très apprécié.» Avec, chaque année un sujet nouveau, bien d’autres posters suivront, dont plusieurs milliers de tirages seront vendus à l’Office du Tourisme de Strasbourg, désormais acquis à l’œuvre de Bernard Ambielle.

Ville en Fête - Carte de voeux de l'UNICEF

    La «Ville en Fête», œuvre devenue emblématique, est sélectionnée par les DNA pour sa Une du 25 décembre 2002. Ce sera de nouveau le cas en 2005 pour «Place de la Cathédrale» Mais, surtout, elle acquerra une renommée mondiale ainsi que beaucoup d’autres tableaux célébrant Noël, quand le siège de l’UNICEF de Genève fera appel à Bernard Ambielle pour éditer des cartes de vœux en vue de sa campagne de décembre 2004. C’est une consécration et une grande satisfaction de savoir que son «Quai St-Nicolas», sa «Place du Marché», ses «Couleurs de Fête» etc… font le tour du monde des boîtes aux lettres… «Au cœur de la ville», sélectionné en 2006, qui représente la Place Kléber en 1865,« est très travaillé», reconnaît l’artiste car il a tenu à se documenter aux Archives et au Cabinet des Estampes de sa ville par souci de fidélité à l’authentique. Les dentelles anciennes qui agrémentent ce tableau, ressortent très nettement. «On dit souvent que la cathédrale est une dentelle de pierre. Les motifs de dentelle lui vont bien.»

    Les expositions s’enchaînent et voient apparaître un nouveau type de tableau de format 120x120 cm. Ces tableaux sont conçus sur une base géométrique et abstraite, avec des lignes brisées très étudiées mais au final ils demeurent figuratifs. Ils transgressent les règles de la perspective et optent pour une interprétation délibérément libre de l’organisation urbanistique. Il en émane une poésie subtile à laquelle contribue la couleur qui suscite une ambiance proche du surréalisme. Notons que Bernard Ambielle n’utilise que les couleurs primaires et secondaires, plus le blanc et le noir. Donc, pas de couleurs tertiaires comme les ocres, les marrons…

Le tout premier en 2008, «Couleurs de Fête» sera suivi de «Clair de Lune» en 2009 et de «Canal Grande» en 2010, pour les plus connus. « J’ai dû, ensuite revenir à des compositions plus classiques, mais dès que les conditions seront réunies, je reprendraicette exploration»

    Car, au fil de sa marche vers la maturité qu’il compte bien ne jamais atteindre, selon une confidence qu’il fit à un journaliste, «Parce qu’il y a toujours quelque chose à apprendre, à améliorer», il épure, modifie, imagine, perfectionnant sans cesse sa méthode de travail. Cette évolution  perpétuelle n’est sans doute pas étrangère à la noble habitude de Bernard Ambielle d’écouter de la musique classique, en particulier celle de Frédéric Chopin «dont certaines compositions, d’une extraordinaire richesse et profondeur, ont directement influencé ma réflexion et mon dessin.»

    Les atmosphères idéalisées, merveilleuses, délicieusement nostalgiques auxquelles ses œuvres ont abouti, leur méticulosité, la lisibilité limpide des messages qu’elles transmettent, cette réussite en un mot, est le fruit d’une philosophie que Bernard Ambielle a fait sienne, une philosophie qui s’occupe moins de science et de savoir que d’être et de connaissance de soi. Elle est due également à la découverte d’une vérité essentielle: la relation avec le public, être en résonnance avec lui. Car la sensibilité propre à l’artiste, qui lui permet de capter des signes, des émotions impalpables, souvent liées à l’inconscient collectif, lui confère le rôle particulier qui est de transmettre et de rendre ces signes intelligibles (dans la mesure du possible, souligne Bernard Ambielle) au travers de son expression artistique et de sa technique, à un plus grand nombre et donc, son public.